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歌唱論(Ⅲ)

歌唱論(Ⅲ)

○客観的にみるということ

 どのように歌を歌唱するのかは、一人ひとり、それぞれに違います。これまでにも述べてきたように、私の場合はいくつかの制約条件のもとにみています。それは、私自身の、感情、心とも別になります。仕事としてみるということであり、それは、私自身の好き嫌いなどとも別にみることです。
ですから、ファンの人が、その作品に、どんなに感動していても、それはそれでよいことです。あるいは歌い手や演奏者が、自分なりに満足のいったものであれば、それはそれでよいことです。そこに対しては、私は一言もありません。一人ひとり、それぞれに違うだけでなく、時代や場所、さらにその時の気分でさえ違って聞こえるのが、音声です。
 ただ、一言加えるなら、よいものが多いなかでは普通のものは悪く、よくないものが多いなかでは普通のものはよく聞こえる。そして、そのまま評価されることが多いということです。特によいものをあまり知らない人や、そういうものをめったに見聞きをしない人は、自然、よい感じなります。イベントやライブの客の評価があてにならないのはそのためです。
 
 

○機能的な面での基準
 

 音声をよしあしのなかでも、正確にみるというなら、機能的なことへのチェックとなります。これがトレーナーの役割のように思われていますが、(そういうトレーナーが多いのですが、)私は、表現をもとにみるので、見解が異なることが多いのです。それゆえ、的確なことばにすることが求められ、それゆえ造語力や文章力もついた、とさえ思っています。
 まずは、わかりやすい機能面でのチェックについてみましょう。
1、 音程、音高(メロディ)声量
2、 リズム
3、 発音、せりふ、(アクセントイントネーション、ことば、方言なども含める)としての正しさ
4、 音量
などが含まれます。
そこからノリや心地よさなどというあいまいなものへと進んでいきます。その途中に、解釈や構成、展開などがあり、さらにビブラート、ロングトーン、発声の明瞭さ、フレーズでのよしあし、発音(外国語)なども、それらを支えるための要素として出てきます。

○レッスンでの見方

 私がトレーナーの立場としてみるのは、
 その人自身とその声、
 その声の可能性、
 その声の表現での可能性(フレーズ、音色など)
 という本人サイド
 それに対して
 ステージ、歌、パフォーマンスも含めた表現力
 という、作品、ライブ側との結びつき
 についてです。
 つまり、目的に対して、何が欠けているのか、あるいはさらに何を加えられるのかをみます。
 次に、そのためにどういう手段があるのか、何が必要か、
 それは声において、どう解決されるものか、あるいは、声以外で何とかすべきものなのか
 ということです。
 ややこしいでしょうか。本当に一人ひとりそれぞれに、ややこしいのです。表現からのアドバイスは、プロデューサーや演出家に近い仕事なので、いろんなことに通じていないといけません。また、可能性がないようなときも、工夫やアイデアしだいで最高のものにもっていく道筋を発案して、そこまでひく力が必要です。

○参考意見として

 ですから、質問を受けても、本人の作品や声については、本人自身がいないときは(イメージであるところまでは出せますが、却って、否定的になりかねないので)、難しいし、参考意見にとどめさせてもらいます。また、本人の目的、表現やステージが、具体的にみえないときも、ことばにするのは難しいです。
 それでも、それなりにイメージで補って、その仮のイメージを伝えながらアドバイスすることが多いからです。発声を、仮の声のマップをつくって図示していくのと似た手法です。
 つまり、最も質問の多い、「○○の歌はどう思いますか」の答えなどは、出せません。
 というか出してみたところで、アーティストにもそのファンにも関係ありません。
 レッスンの材料として、目の前の相手にシミュレーションしてみるのに、一つの見解として示す方がレッスンに役立つときに、コメントするくらいです。
 
 作品は表現ですから、好きにやったものを好きな人が聞けばよいのです。ファンとの間に、あるいはアーティスト本人のイメージのなかに成立していることに、トレーナーが口を出しても余計なお世話です。
 先方が「何とかしてくれ」といってきて、初めてレッスンは成り立つのです。なぜなら、全ては程度問題であり、その必要性は本人自身が自覚することでしか成立しえないからです。本人がこれでよいとしていたら、それはそれでよいのです。「何か違う、足らない」と思うからこそ、ヴォイトレ、その他が必要となるのです。
 

○守りのヴォイトレ

 しかし、最近はそういう創造的、冒険的でポジティブな試みよりも、のどが疲れるとか、声の調子がよくないから、というフォローとしての利用が、ヴォイトレには増えています。私としては、守りのヴォイトレは調整になりがちなので、あまり、お勧めしないのですが、大半はこういうケースなのです。そのように追い込まれてしまうくらいの力しかないとか、そうならないと気づかないことが、本当はおかしいのです。実のところ、攻めない限り守れません。
 とはいえ、心身の不調でマイナスになった状態をゼロにするために、フォローは不可欠なので、ここでも受け持っています。また、5年10年と、このフォローとして利用している人も少なからずいます。
 これにはパーソナルトレーナーというよりもマッサージ師のような役割が期待されるものです。ただ、そういう人によっては大切なこと、不可欠なことです。
 心身の方からみるのは、表現からではなく、一個人の体から、声の状態を調整することになります。ですから、調整ですが、それでもしっかり繰り返していくと条件づくりになってきます。「底上げ」と私が述べている再現力の基礎として、調子を崩しにくくなる力として表れてくるのです。
 ですが、そこでのどの状態や実力を判断するよりも、将来への可能性をみる方へ力を入れていかないと、本当に力をつけたり変わることにはなりません。
 その時点での判断は、医者にも似ています。そして、近代西洋医学としては最悪のケースでは、手術などで、局部的に問題を解決します。ステロイドなども効果は即効的、かつ大きいことは驚くほどです。
 心身のリラックスによって、のどの発声を外して共鳴の効率をよくすると、一次的によい声がとりだせます。トレーナーにもそういうことを注意するタイプは少なくありません。でも、病巣と違って悪いところをとってしまったらよくなるというものでもないのです。
 
 私のトレーニングはハードに思われていますが、漢方医のようなものです。人それぞれ、目的や声のレベルもそれぞれに応じて変えます。ゆっくりと少しずつ変えていきます。発声よりも、それを牛耳る呼吸や頭を変えていくのです。体という器を大きくしていくことで応用や、再現力を高めていくのです。

○形と流れ

 歌の1コーラスというのは、大きな声で4つから8つくらいの文章を読みあげるのに過ぎません。外国人がそのくらいで捉えているものを、日本人は、16から32くらいで細かく捉えてしまいます。これは、出ている歌の形を声でコピーしてしまうからです。フレーズとして息はともかく、流れは、つながっているのに、です。なので、表現としては総じて固くなり、緊張を欠きます。ことば単位で切って、つなげようとすると、もう全く違う低い次元のものになります。
 プロは表面の加工技術に長けているので、一般の人にはこれほどはっきりはわかりません。でも、感じられるものです。問題は、本人自身がそのフォローしていることが、技術だと思い、固めてしまうこと、さらにそこでアピールできるとテクニカルに使ってしまうことです。それでも自信をもって使いきると、それなりに説得力をもって伝わってしまうのが、せりふや歌の困ったところです。
 発声や歌唱は、迷いや不安が入るだけで安定性を欠いてしまいます。しなやかさ、柔らかさ、伸びやかさは、音楽としての心地よさのために、もっとも大切にすべきことなのですが、なかなかみえません。特にせりふにも通じますが。
 そういうときは曲から少し離れて全体をつかんでみることです。つまり、楽譜を歌うのでなく、歌全体を歌うのです。
 一つずつ声を伸ばして、つなげているのは日本の合唱などにはよくみられます。心地よさが眠けを促すようになってきます。一つずつ均等に伸ばすような、日本語に忠実で表現としては、間伸びした不自然さが切り捨てられているのです。均等というのは、楽譜やプレイヤーの演奏上はそういうルールのときもありますが、スタッカート、テヌートでもない限り、少しは動かさないと表現としては緊張を欠きます。次の対立項は、日本人の歌唱、特に日本語のではよくみられます。
メロディ          ことば、リズム
伸びやかさ(声量)     きめこまやさ
レガート(スタッカート)  ことば
ロングトーン        ことば
プレイヤー(演奏家)    役者
どちらにしろ、本人の声とフレージングが、これらの2つの溝を、もし埋めるだけでなく、超えていたら、表現としてはかなり強いインパクトを持ちえるのです。

 (目指しているところの目的自体がずれている人の多い日本の歌唱の問題は、拙書「自分の歌を歌おう」で詳しく触れましたので省略します)

ダルビッシュ有のアメリカ一年目 

 世界へ出ていくサッカー選手や野球選手のことは詳しいわけではありませんが、ダルビッシュのアメリカでの活躍は気にしていました。それは、渡米前、技術でなくパワーそのもので世界に挑戦したいと言っていたからです。彼によると、技術で勝っても本当には評価されないから、パワーで打ち勝ちたいということです。確かに、チェンジアップや変化球で買われていたピッチャーから、野手も大リーグに出ていけるようになりました。イチローのマジックのようなバッティング技術も足も、当初はベースボールとして認められがたかったのは確かでしょう。(ボクシングでも、ヘビー級が中心なのは、フライ級とか、モスキート級という命名でもわかりますね。小が大を制する美徳を持つ日本人なら、ハエ級、カ級とはつけないでしょう)

 圧倒的なパワーで勝負できないから、技術で勝負しようというのは、大国に対して小国日本の、大柄な外国人に対し小柄な日本人のとってきた方法でもあります。しかし、ダルビッシュは、嫌だったのでしょう。156キロを出せるダルビッシュだからこそ、その負けん気に火がついたのです。
 ところが、初戦から、そのパワーは通じず、変化球主体の投球に変えざるをえなくなります。すべるボールと固いマウンドで、コースが定まらず、シーズン半ばにして大ピンチとなります。そこで、大リーグのコーチは、変化球主体の組み立ての指示をやめます。ダルビッシュは、プライスの投球をみて、ただ足を上げて投げることしか考えていない、そのリラックスさに気づきます。さらに、自分が小指側からついていた足と、彼のベタ足でのつきかたの違いに気づき、改めます。マウンドの土の固さの違いから、ダルビッシュのフォームは不利だったわけです。
 このあたりは、NHKダルビッシュが言ったことで、どのくらい本当なのかは、来年以降の成績をみないと何ともいえません。
 でも本場のコーチも気づかなかった?本場ゆえ気づかなかった。そのことだけをとっても、重要な示唆があると思うのです。ヴォイトレでも、トレーナーの方針ややり方、メニュと、本人の上達とのギャップに、悩む人は少なくないからです。
 ダルビッシュの言うように、プライドある大リーグのコーチが方針を変えたことのありがたさは、日本では難しいのではないでしょうか。「自分でみつけて、気づいてやっていく。逃げずに立ち向かっていく。まわりの意思でなく自分で向き合ってやる」
 ダルビッシュの自分中心の考え方、そこにも、まわりの意見で迷ったり、自分自身と向きあうことの得意でない、多くの日本人には、見習うべきことがありそうです。
 着目すべきは、気づくことと、気づいたら修正できる能力の高さです。これはゴルフの石川遼でも、シーズン中のフォーム改造をして、成績をアップさせたことを前に述べました。(それにしては、今回、ようやく2年ぶりの優勝でしたが)
 そういう能力こそ、レッスンのときに磨くべきなのです。トレーナーのアドバイスを一方的に聞くのでなく、きちんと判断して、自分にプラスに役立てていく。ときにはトレーナーのアドバイスも自分が気づいたことでも、これまでの自分に対して異なるアプローチをしてみる。そしてその必要性や可能性について判断して、実際に応用して結果を出すのです。
 ダルビッシュはその後、今年最強のルーキーを、大事な場面で、なんとインハイにストレートで決めて三振にとりました。キャッチャーがOKしたのです。
 そういう環境を与える大リーグとのいうものの懐の深さに、ダルビッシュは大リーグに行って、本当によかったと思ったことでしょうが、反面、日本人としては少し残念に思います。
 プロ野球も、相撲も、プロレスもボクシングも、私が子供の頃のような、エキサイティングな環境が失われているからです。選手も監督もコーチも、何もしていないわけではないのですが、明らかにスケールが小さいのです。野村元監督が、○○の○○監督の「何も指示しなかった」というコメントを、「その通り。正直だ」そして、「何もしないからダメなんだ、野球もダメになるんだ」というようなことを述べていました。
 相手をただ信用して何もしないのと、指導者たる自分の役割を全うするために、考えに考えて、何も指示しないのとでは、全く違います。野球の現場のことは、そこにいる人しかわかりませんから、このように述べたもののどれが正しいとか、誰が偉いとかはわかりません。マスメディアも選手や監督も、人に伝えるときにはストーリーやドラマをつくってしまうからです。
 ですが、私たちの現場でこういうことをあてはめて、そこから先を考えていくことが大切だと思うのです。
 このようなストーリーのように、「ピンチになった、気づいた、変えたらうまくいくようになった」というほど、物事は現実には単純ではありません。もっと語られないこと、本人たちにもみえないものが、大きく働いているものです。
 しかし、シンプルに学んでいくことも大切です。私たちは大リーグに行くわけでも、マウンドに上がるわけでもありませんが、ダルビッシュのことばや番組のストーリーから学べるものを学べばよいのです。それを明日へ、自分へあてはめて、ヒントにすればよいのです。そのために伝えています。

○トレーニングは一時、鈍くなる

 問題を深刻にしないことは、大切なことです。
 強く大きくしたいという要望に対して、多くのトレーナーが、特に最近、ストップをかけるのはなぜでしょう。私は、ストリートサッカーの時代とよんで、サッカー場の前にどれだけボールに触れていたかが、一流のストライカーの条件だと述べたことがあります。高い声や大声を、まさに自己流でやるのは、本を読んでいるだけよりもよいことだと思います。
 でも、それだけ多くのトレーナーが言うようになってきたのは、私と違って、彼らが優秀であり、そこへくる人があまり優秀じゃないからともいえます。(私は優秀でなくても、くる人が優秀だったので真逆です)でも習い事はそういうものなのですね。つまり、優秀な先生からみると、「強く、大きく」は「鈍く、丁寧でない」となるわけです。彼らの立場では、「強く」とか「大きく」は、私に学びにくるまでに自分でやって(その限界を知ったら)ここでは、子供じみたことはやめて、もう大人になりましょうということです。

 私も「体と感覚を変えていきましょう」と述べていますが、体は鍛え、感覚は磨くものです。当初のように、プロ相手なら、感覚は磨かれているわりに、日本人の歌い手の体は鍛えられておらず、(また柔軟性にも欠けている)息吐きメソッドなどを発案したわけです。(ここでは、私の「ヘビメタ=レスラー論」※を参考に)
 しかし、少しずつ、レベルが下がってくると、感覚(音楽的センスも)の強化がより重要となり、試聴や、音大の作品のような音程・リズムトレーニングが加わりました。
 
 感覚(耳)を磨かずに、体(声)だけ鍛えていくと、鈍くなります。これは体育会系の人などには顕著に表れます。彼らは体や息や声ができているほどに歌になりません。トレーニングを積み上げていかなくても歌手になった人がたくさんいることで、そういうトレーニングの不毛さを説明しています。
 

○ヴォイトレ、声楽は不自然か
 

 一時、役者や歌手はヴォイトレや声楽にいくと、不自然になるのでやめた方がよいと言われていました。それも一理あるのです。私が思うにそもそも、トレーニング=不自然ですが、よいと言われることのなかで、のど声になる、オペラみたいな(オペラもどきの、よくない)押しつけた発声になる、合唱団みたいな(合唱団もどきの)個性のない発声になる、などがあげられます。
 「声楽やオペラを学ぶと個性がなくなりませんか」という質問も、よくきたものです。私の本を読んでいる人は、それは応用と基礎の取り違えであるとわかるのでしょうから、詳しくは説明しません。
 コンテンポラリーダンサーが、クラシックバレエを習ったら、そのダンスがバレエになるはずがありません。ただ、本人が声楽の勉強しかしてないときには、あるいは、声楽の勉強を90パーセント、ポップス10パーセントだったら、どう考えても声楽っぽくなるでしょう。
 それに、習いにいったくらいで消えてしまう個性って何でしょうか。
 さらに、よくあるのは個性=自分というのと、表現として現れる、価値としての個性=オリジナリティを混同していることです。演じるあなたは、あなたであってあなたでないし、あなたでなくてあなたなのです。
 

○一貫する
 

 前に、「あなたが出たら、歌=音楽は出なくなる。歌=音楽が出たら、あなたは出なくなる。両方が両立、一つになるのは大変なこと」と述べたことがあります。
 このとき私は、自分=表現=歌=音楽を一つの声として一貫させるのを理想としていました。真のアーティストなら、しゃべればせりふであり、歌であり、音楽であり、そのまま作品であり、芸術であるということです。そのための基礎トレーニングでしたが、結局は、応用において、どれかが通じていたらOKという現実判断を強いられるようになりました。
 
 声がすべてでないので、歌がOKならよい、表現がOKならよい、という判断も必要でした。でも声がOKでもだめなのです。つまり、トレーニングや体づくりは基礎で、それがOKになるのは器や可能性としてのプロセスだけです。問われるのは、切り取った作品として歌や音楽という表現です。(人間としてよい人でも、歌がだめなら歌手としてだめなのと少し似ていますが)
 ことばにならないことが大切。「星の王子様」みたいなこと(この話は研究所のサイトにあります。読んでみてください)ですが、いらっしゃる方と、ことばでやり取りして長くなることもあります。
 わからないことをことばにして整理するのも、トレーナーの能力であり仕事です。でも、考えるまでもなく、ことばはどちらにもぶれさせることができます。そういう論理を組み立てます。
 つまり、ことばにするのは、どうしても雑になります。感じ、イメージから離れる。インデックスですから。だから決めたがる人は、ことばを求め、ことばに安心して、そこで止まってしまうのです。
 ことばは、詰めるための手段とし、使えるところで使うのにとどめ、あとは、体と感覚に委ねなくては先に進めないのです。私は「本でやるのでなく、本でまとめるように」と言ってきました。
 プロセス自体まわりのもの、すべてをみないようにしたら、ことばにできる。でも今度はそれを伝えられたと思えないでしょう。

感覚と場 非を読み取る力
「聞くことに答えない」という答え
他人に委ねられないのに非難する
自分のことばのフィードバック(のりつっこみ)
フィードバックをかけすぎる人、ためないと出せない人
継続性、連続することの価値
一貫しているもの、芯、とぶれへの恥
歌のなかの芯
相手のなかに自分をみること
常に、よりすぐれたものがあると知っていること
相手の立場にたって、同じことをイマジネーション

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