○始点と終点を整理する

○始点と終点を整理する
 ヴォイトレは、スタートもゴールもあいまいなままスタートすることが多いのです。トレーニングのなかでは、そこを整理して自分の位置づけや目標を、より具体的につかんでいけるようにしていくことも大切な目的の一つです。
 「レッスンで、メニュや方法を用いることで、目標と現状の間にあるギャップを埋める」というと当たり前のようですが、現実には、とても難しいことなのです。
 全体の把握なくして、きちんとした位置づけはできません。
 たとえば、サッカーなら「強いシュートを打ちたい」ということがゴールで、練習で強いシュートを打つことだけをやっていても、他の要素が万全でない限り使えません。PKのように無防備のなかで打てるシュートは、ほとんどないからです。ボールを受けてシュートに持ち込む、パスを受けられるところに走り込むなど「シュート」というものをマスターするのに、たくさんのものがついてくるからです。しかも、シュートが打てても「試合がない」「試合があっても、試合に出してもらえない」など。総合力がまったくないシュート請負人などはいらいでしょう。スポーツや楽器のプレイヤーなどでは、当たり前のことが、声のレッスンにおいては、とてもいい加減に扱われていることが少なくないのです。

○「歌いやすさ」より「自由度」
 すぐに本番に役立つ、アドバイス・レッスンでは、比較的明確な目的ですから、早く、よりよくすることができます。
 歌唱レッスンでは、まず悪いところで目立つところを直します。でも、その前にできる限り本当はよいところをみつけ、いつかそこで伸ばせることに気づかせたら、もっとよいことでしょう。
 ヴォイトレでは、共鳴、発声、発音などを、歌で映えるように改善することが求められることが多いのです。そういうときは、くせがついていて固めていたり、うまく解放できないところを脱力していって、よい状態で発声できるようにします。しかし、人によっては脱力して解放すると、自由度が増す分、歌いにくくなることもあります。このとき「歌いやすさ」より「声の自由度」を選べる人は、本質をつかんで、かつ勇気のある人です。あとで伸びていくごく少数の人たちといえます。

○アファーメーションとしてのヴォイトレ
 声の声域を少し広めにして慣らします。歌よりも声量を少し大きめにとれるようにしておきます。さらに、発音、メロディ(音高、音程)やリズムのチェックを基本とする、応用などでチェックを行うわけです。
 声道をしっかりとコントロールして、確実に声にして、共鳴にもっていきます。このあたりは声楽の基礎といったところです。
 プロの最低レベルのところでも、このあたりはできていなくてはなりませんが、できている人は稀です。ですから確かな目的への第一ステップとなります。

○ことばと発音
 せりふやナレーションなどでも同じですが、ヴォイトレで「ことばを使う」と発音本位になりがちで多くのケースでは、発声が中心はなりません。本番とあまり変わらないことをやる、リハーサルのようなレッスンになることも少なくありません。
 これを母音や子音に分けて、厳密なチェックをして、よしあしを判断し、直していくと、一見、ヴォイトレらしくなります。
 しかし、この場合も、声より発音やアクセントのチェックで終わることが多いようです。となると、もう一つ基礎に踏み込んで母音の単音やハミングを中心にすればよいのですが、そこまで戻れることは少ないようです。

○イメージの共有
 トレーナーとして、私は年に何回か、その人のレッスンとトレーニングの位置づけのイメージを共有するための説明をかなり細かくしています。
 私なりのイメージで相手の今の声、発音、フレージングあたりの出来不出来、目的とそこまでのギャップの埋め方などを図示します。
 伝わることも伝わらないこともありますが、気にしません。いつまでも伝わっていないときは手を変え品を変えて、その人にわかるイメージに近づけていきます。
 しかし最初くらいは私のイメージや感覚に合わせてもらうところからスタートします。そして、少しずつズレをとって。いきます

○似ていることでの注意
 その人の呼吸の延線上に素直に声が出てくると、それは必ず私のものと異なってきます。
しかし、それをもって(本人であることをもって)よしとするのが、よいトレーナーです。
 「自分に似ているか」「同じレベルで同じにできるか」ではありません。「その人らしくその人の声が出ている」のが、それが声に表れているか、その人の表れる、感じられる可能性のある声なのかをチェックするのです。似ていると、却ってやりにくいことも少なくありません。

○シンプルにする
 歌うとなると途端に難しくなる、つまりいろんな要素が入ってくるので雑になるのです。その難題に挑戦している人が多いのですが、私のヴォイトレで最も簡単なフレーズや言い回しでチェックするのです。
 それは。1オクターブ半を3分かけて歌う世界からは遠く離れているようにみえます。出している声や発音さえ異なるように思ってしまうものです。
 しかし、そこの感覚のギャップにこそ、あなたの声とイメージとしての限界が含まれているのです。それを解放するために、一見、ありきたりとみえるヴォイトレのメニュを要しているのです。

○トレーニングの紆余曲折と結果よし
 限界をみてどう処理するのか―その前に、まとめてテクニカルに処理するのも正攻法です。しかしトレーニングでは、一時、迷ったり悪くなっても、後にトータルとしての力がついていたのなら、結果としてOKです。
 しかし、本人は不安でしょうから、それらを図などを使って説明することもあります。スタート(今)からゴール(将来)、までの間にいくつかの目安となるものを入れていきます。つまり、レッスンやトレーニングでは「ど真ん中のことだけをやればよい」というものではないのです。できたら、「どちらかで冒険し、どちらかで徹底することが望ましい」と思っています。

○休むと喉は疲れる?
 せりふや歌は自ずと知らないうちに疲れを喉にためていきます。やや疲れたときのほうが表現として、より働きかけてくるともいえます。そのためにわざと続けて使ったり、かすれさせて声を使う人もいます。いわゆる、「のってきた」状態というところのものです。「のってきた」ときは、大体、もうやりすぎ、使いすぎているものです。
 無理しなければ状態が悪いことを悟られずに、もう何時間かできるでしょう。逆に間に長い休みをとると、声は疲れを表に出してしまうこともあります。つまり使いすぎて少し麻痺、そこで寝ている(喉が休みをとろうとしている)のです。
 ステージの間の休みの取り方は、人によっては難しいケースも少なくありません。
 「ステージでは疲れないようにすること」
 「疲れていても疲れを見えるように出さないようにすること」ですね。声も似ています。元気のない声、ハリのない声では、価値がつけられません。
 絶好調ののりのときに喉(声帯回り)は、もう疲れていると考えておくことや「声も消耗品」と意識することも、トレーニング中にリスクを減らす一つの考え方だと思います。