「勘とデータ」

○長嶋氏の素振り論と松井秀樹選手

 2012年末、松井秀樹選手が引退しました。スポーツ報知(新聞)は、ほぼ全紙面の半分をこの関連記事にあてました。松井のそっくりさんまでが、「まだ引退しない」と出てくるくらいです。その最後に恩師である長嶋茂男監督の談話がのっていました。
 日頃、天才は天才しか育てられないから、私たちは長嶋監督より野村監督に学ぶべきだと述べてきましたが、ここにまた一つ、深いものを感じたので引用しておきます。
 たしか以前に、私が長嶋監督の例を引いたのは、毎晩、帰ったらすぐに素振りを3回して、そこにいつもの音が聞こえたら、やめて食事入浴をする。聞こえなければ、聞こえるまで夜中も振るというような話でした。
 つまり、第一線レベルにできあがっている人の場合、状態のチェックをして仕上がっていれば、そのまま休めておく方がよい。しかし、何か不足していれば補う、つまり元に戻してから休むと。まさに、すべてを五感で捉えて判断する職人技での調整法です。
 イチローなどの打席で構えるまでの”儀式”は、よく例に挙げられますが、長嶋氏のような調整は、客観的に自分の状態のベストを完全に把握していなくてはできないことです。それをコーチに頼るのでも、データに頼るのでもなく、自分の身体だけで確認するわけです。つまり全身センサーのようであり、”野生の勘”と言われたゆえんです。そこでの手段は、特別なメニュや方法を使うのでなく、ただ素振りなのです。
 
○声の素振り

 この記事で語られた、松井との「1000日計画」は、ただ、素振りなのです。徹底したシンプルさを最大限に応用して基礎を固め、またその基礎を応用して試合につなげていくのは、さすがです。なんら特殊でもないのです。ただ誰もが基本と知って、言っている素振りをどれだけ、どのくらいの量、そして密度でできるのかが問われているのでしょう。
 バッティングや素振りの例を、昔から私はヴォイトレによく使ってきました。「日本人は自分のど真ん中をジャストミートできないのに、自分のストライクゾーンの上の高いボールばかり打ちたがる」と述べてきました。
 長嶋氏はボール球やワンバウンドさえ打ってしまう天才でしたから、「バッターはノーマルであれ」と言っていたというのは、意外でもありました。

(以下<日録>より、再録)
野村克也の素振り論
バッティングは基礎、基本、応用と段階がある。素振りは基礎であり、この基礎をしっかりやらないで成長するわけがない。基礎をみっちりとやらない怠慢が強打者の生まれない理由のひとつなのかもしれない。
 たかが、素振りと思うだろうが、素振りひとつとっても、テーマを決めて考えながら練習する必要がある。素振りは1回ずつ振幅音を確認しながらでき不できを判断したものだ。ボールを捉える瞬間をイメージし、ブ~ンという音ではなく、ブンッと音が出るまで何百回も素振りを繰り返した。これだけは自分で努力するしかない。コーチは足や腰、腕の動きなどバッティングの形は教えることができても、イメージや感覚は自分で掴むしかないからだ。(中略)
 親も育ってきた環境も違うし、肉体や骨格も違う。それを猫も杓子も一通りの型にはめたのでは個性を生かすことはできない。「学ぶ」というのは「真似る」を語源にしていると言われるが、若手も「教わる」のではなく「覚える」という意識が必要なのではないか。(中略)
 特に「勝利の方程式」という決まり文句が一番気に入らない。勝負事に方程式などあるわけがない。マスコミの責任も大きいが、そんなものがあると考えるから型にはめてしまい、勝負の醍醐味を失わせるのだ。(中略)
 「人間成長なくして技術的進歩なし」である。
野村克也さん [SAPIO 2013.1]

金本知憲の素振り論
 「すべて野球のためにどうすべきかと考えていました。トレーニングはもちろん、体重を落とさないように無理して食べるのも、睡眠時間を確保するのも、野球のため。心身ともに本当に休んだといえるのは、シーズンが終わった直後の5日間くらいでしたね」(中略)
 「仮にコーチにやらされた練習でも、練習の狙いを理解できれば自分に役立つ。若い頃の広島時代の練習はそうでした。逆に自分から取り組んでも、漠然とやる練習では意味がない」。例えば金本が調子の良いときも悪い時も欠かさなかった素振り。「スイングの速度を上げるためなのか、打撃フォームを整えるためなのかで振り方は異なる」(金本)。そこまで考えて素振りを繰り返したからこそ、バットにボールを当て、しかも遠くに飛ばす技術を磨くことができたのだ。
金本知憲さん [TRENDY 2013]

長嶋茂雄の素振り論
「1000日計画」って言葉、覚えてるでしょ?3年間で一流の4番打者に育てるってプランよ。だから、それこそ毎日毎日素振りよ。昼でも夜でもどこでもスイングよ。銀座の(超高級)ホテルで部屋を借りてやったこともあった。(03年にヤンキーズの取材で訪れた)ニューヨークも?やったよなあ。(超高級老舗ホテルの)プラザホテルの最上階でバット振ったのは、世界でも松井くらいだろ。
 素振りはいい練習なのよ。スイングなんて1回に1秒ぐらいなもんでしょ。でも、それを1回、また1回と繰り返していくことで、いろんなことが考えられるのよ。そこから野球選手としての「深さ」や「幅の広さ」が生まれてくるわけ。
 技術はもちろん身につくよ。しかも退屈に思える練習を続けることで心、つまりメンタルが作られていく。それが大きいのよ。
長嶋茂雄さん [スポーツ報知 2012.12.29]

○(続)長嶋茂雄氏の指導法
ミスターは21歳の中島をつかまえ、いきなり打撃指導に乗り出した。
 「インパクトの瞬間、バチーンとチンチンを右から左の太腿にブツけるんだ!」
「バチーンとですか?」
「そう、バチーンと」
 首をひねる選手が続出するなか、ひとり目を輝かせていたのが中島だった。
 「僕にはメッチャわかりやすかった。長嶋さんは音で力の加減を表現するんです。バーンならバーン。バンならバン。ギュッと言わはったら、実際にギュッと体を回せばいいんです。”ここの角度がこう”なんて説明されるより全然わかりやすい。長嶋さんから教わったのは正味40分くらいやったと思いますが、その後から全然、打球の質が変わった。きれいに飛んでいくようになりました」
中島裕之さん [週刊現代 2013.02.02]

 つまり、出しやすい声から出していく。なかには、この出しやすい声そのものを否定されることもあります。また、出しやすい声=ベストの発声ということではないこともあります。でも、入口の手前では、まずは「出しやすい声とは何か」を、そして、「出しやすいとはどういうことか」をバットや竹刀を振るときのように、直観的に捉えてみることです。
 一流の選手でない大半の人の感覚やフォームは、大きくは当たっていても、いざ、そこから細部に深めていくと、すぐに外れていきます。ストライクゾーンは打てるとわかっていても、いつもそこで当たったり当たらなかったりが続くのです。そのうち高めの内角だけが打てるようになるのを上達と言われてがんばったりするわけです。
 
○心理の分析

 野村監督は打つことよりも、まずは打ち取ることから、バッターとしてよりキャッチャーとして、相手の心理をみることを本質と捉えたのではないでしょうか。8×10の80にストライクゾーンを分けたのは、データをとるための手段です。これはトレーナーとしての「やり方」になります。
 次にどのコースにどの球種がくるかわかると、ほぼ、確実にヒットにできるのが、プロのバッターだといいます。つまり、現場での本当の勝負は心理戦なのです。力や技術を十分にもった上で心理を読む、その最高レベルが勘なのです。となると、バッティングセンターでは3割、4割でなく、10割打てなくては勝負以前のレベルということなのです。
 ストライクゾーンを3×3くらいのマトリックスで捉えているようなバッターに対しては、8×10の細分化したデータをもつのは、絶対的に有利なことです。投球を指示するキャッチャーの視点が、即ち、コーチなのです。これがチェックや上達のプロセスとなります。
 しかし、長嶋氏の場合は、多分、一般的なストライクゾーンは眼中にない、打てる球と見送る球、つまり振る球と振らない球しかないのでしょう。打てる球、ヒットにできる球が振ることになるのです。一流ゆえに他人が定めたルールを超える、それゆえ、その常識を超えたプレーや打撃にファンは感動するのでしょう。
 それを支えたのが、小学生でも、そこから始めるという素振りの徹底です。松井選手には、ニューヨークでさえ最高級ホテルで素振りをさせたというのですから、シンプル イズ ベストなのです。
 
○人生と哲学

 野村氏に学べるのは、三流から二流、二流から一流になるためのプロセス、考え方です。野球において将軍はピッチャーやバッターですが、キャッチャーは策士、参謀なのです。(トレーナーということです)
 日本で10年、アメリカで10年トップクラスの活躍できる人は、ただ純粋に素振りに打ち込めます。結果を出し、それが出なければ終わりですが、終わっても引っ張りだこでしょう。しかし、多くのプレーヤーは、明日のレギュラーも来年の活躍、いや雇用も保障されていません。人生における野球や野球を終えての人生も考えざるをえないし、それが考えられてこそ、今に打ちこめるともいえます。ですから野村氏の理論は、そのまま人生哲学になっています。これ以上は氏の多くの著作に委ねるとして、これからは勘とデータの話です。
 天才でもない限り、勘は働かなくなるときがあるので、そのときにデータで支える、あるいは、データがあった上に、勘もおろそかにしないなら、両方のよさが活かせるということです。データに囚われ、勘も鈍くしてしまう人の方が多いので、この考え方は、とても大切だと思うのです。
 
○勘のよしあし

 私は勘のよい人には安心して、かなりの部分を本人の判断に任せています。できるだけ口を出さずに、材料だけを与えます。そこに工夫をします。そういう環境だけを与えるのは、本人の資質を尊重してのことです。
 当初は研究所もそのような人しかいない環境でしたから、私は場を数倍、高次に整えていればよかったのです。
 「何も教えてくれない」などと言うのは、勘のよくない人ですから、そのまま放任しているとクレーマーになりかねません。「教えてくれる」「教えてもらう」ことで、どれだけ勘を鈍くしているかを、ときには考えてみることです。
 まずは、自分に、その内面に、目を向けなくてはいけないのです。ところがこのことがわからず、古い例ですが、「青い鳥症候群」状態の人が多いのです。「どこかに絶対的に正しい方法、よい方法、正しいレッスン、よいレッスン、正しい先生、よい先生がいる」と。
 レッスンはそういう思い込みに拍車をかけるのでなく、それをストップさせるためにあると思うのです。「正しい」とか「よい」とは何か。そんなものがあるのか、疑問や否定を通じて、自ら問い続けていくようにさせることでしょう。
 でも今は、優しい先生が優しく教えることを求められるため期待に添うようにがんばるほど、どんどん本質からそれてしまうのです。
 
○勘と基準と材料

 勘のよい人は、「自分自身の声に向きあうことしかない」ことを知っています。
 素振りのように一つのシンプルなメニュをくり返しているうちに、少しずつ丁寧に、繊細に扱っていくようになります。材料を元に基準が確立してくるのです。
 そうでない人は、飽きてきます。やめてしまうか、やっていても雑になります。正しく教えられたことなどは形ですから、そのままでは、くせがついて固まってきます。しかし、それを安定と思うので、早々に上達が止まります。これは大きな勘違いです。本来は自分の成長に合わせ、その都度、形から脱皮し、さらに深めていくべきことなのです。
 
○作品の価値への評価

 「トレーナーは、作品の価値判断に立ち入るべきではない」と考える人は、たくさんいます。確かに、体力づくりと試合の采配は別の仕事のようにも思います。少なくとも別の次元、レベルのことです。しかし、目的や現場に通じていないと、必要とされる基礎の程度もわかりません。この現場とは、ステージ経験などという、個別に違う、あいまいなものではありません。絶対必要条件と余裕をもった充分条件の2つの尺度です。
 
 声を出している内容
 声を出している時間
 声を出している期間
 など、トータル的なものです。
 
 生涯現役歌手というのは、自らに対してはプロですが、誰しもが他人のプロセスに通じているものではありません。多くの他人のプロセス、しかも10年という長い時間で通じていてこそトレーナーなのです。
 このプロセスというのは5年から15年くらいを1クールとします。とはいえ、10年くらいトレーナーをしたとしても、1年以内に辞めていく人ばかりみていたのでは、本当に大切な勘は培われません。
 
○トレーナーの価値とは

 最初には勘のよかった人が、続けているうちに勘が冴えなくなる、悪くなるケースも少なくありません。声や歌では、それが顕著です。元より自分の評価も他人の評価もあいまいだからです。
 レッスンの目的の一つは、トレーナーに評価をしてもらえることですが、その基準があいまいでは進歩は望めません。アートという何でもありの世界で何を評価としてとるのかは、本人の満足か?客の満足か?どちらにしても、急いでは雑になります。
 できることにとらわれ、その評価がトレーナーだけの満足に終わってはなりません。(トレーナーの評価の問題は、以前に詳しく触れていますので参考に)
 それを一致させないところにレッスンは成立しないのです。そこでトレーナーは一本の仮の道を示します。そこをプロセスにするかを問います。それをどうとるかがトレーナーの価値の差なのです。
 
○3年かける

 トレーナーは「教える」、「与える」のでなく、「問う」場を与えるのです。邦楽で、師が弟子に、「自分のやる通りにやれ」と言うのは、自分のようにできたら完成というのではありません。
 これから自分の声がどのようになるのかを、まだ体験していない人にあるのは、勘だけです。それで判断して、歩み始めるのですが、そのプロセス、方法、トレーナーについての、一致というのはそう簡単にできないものです。歩み始めるまでに3年くらいかけてもよいくらいです。
 私は今、「ここにいる十数名のトレーナーの判断ができるまで3年かかってもよい、それから自分によいトレーナーを探せ」と言っていたのです。「自分によい」というのを、好き嫌いや憧れでなく判断するには、それなりの基準を身につけなくてはならないのです。
 
○勘は悪くもなる

 さて、勘というものが「やっていない人のなかでは最初よくても、大ざっぱによいだけなので、そのうち(続けて学べている人のなかでは)よくなくなる」のが普通です。まさに、子供のころは天才、大人になるにつれ皆凡才になる。日本の教育では平均化を急がせますから、そうなりがちですが、ヴォイトレも同じです。
 
 トレーニングやメニュがどのようになるかというのは、トレーナーの処し方になります。このプロセスをみてみましょう。すると、大体は同じように「勘の悪くなること」が起きているものです。それを避けるために他にはない研究所としての総合的な機能をバックグランドで働かせていると思ってください。
 
○トレーナーの成長

 私は、これまで声楽畑のトレーナー三十名以上とヴォイトレをやってきました。今も十数名のトレーナーと続けています。長い人は十年以上います。私より目上のトレーナーもいますが、かつては、20代後半から30代の若いトレーナーばかりでした。
 採用して、しばらくは、私もレッスンをみていますが、あまり言わないようにしています。最初から、こちらの方針を押しつけると、せっかく異質の才能を発揮できる機会をなくしかねないからです。生徒と同じで、まだ準備が整っていないうちは、つまり、自分自身に何があるかを把握せず、何とか形にしようと試行錯誤しているうちは、出せるだけのものが全て出るまで出させてあげるのです。
 声楽家ですと、一般の人や音大生以外に教えるのに慣れていない人もいます。ここの生徒の中にはプロもいますから、ときには、お願いして新しいトレーナーを体験してもらっています。
 トレーナーには自分自身のレッスンやステージの体験があるし演奏能力もあるのですが、そのまま使えるわけではありません。それが指導の能力として出てくるまで、しばらく待ちます。その人の本領が発揮されるまでは、伸び伸びやらせているのです。
 そして、1年から1年半くらいたつと細かくみるようにします。この1年半というのは慣れてきて、なかだるみしやすい時期です。秀でた人ほど早めに半年か1年くらいで、個性が行き過ぎる方に出てくるものです。
 そこから、きちんとした接点を私が見出し、レッスンを軌道にのせていくのです。この接点がつかないとやめてもらうこともあります。
 
○トレーナーの一人よがり

 トレーナーが、指導に慣れて慢心してしまうこともあります。舞台などで抜擢されて大役などにあたると、そのようなことは起きやすくなります。
 ともかく、レッスンと自分のステージを両立させるのは、かなり負担のかかることです。
 まして、私や他のトレーナーの制限下で、完全には自分の自由に生徒を導けないのですから、いろいろと不満が出てくることもあります。
 特に複数のトレーナーを一生徒につける、ここのやり方については、声楽の先生というのは、大まかにいって大抵、反対でしょう。一人の先生から学ぶ方がわかりやすいし、混乱しません。そこで「言われたことができたら、そのまま評価する」というのは、プロセスとして順当に思えるからです。
 本音でいうと、どのトレーナーも自分の判断、メニュ、方法が「正しい」と思っています。他のトレーナーがついて、自分と異なる見解、違う判断、メニュ、方法をとるなら「間違っている」と思うものです。他のトレーナーのレッスンが、自分の指導の効果を損ねたり、台無しにしていると思うこともあるでしょう。
 ここでは、これらのトレーナー間での問題を扱っている私のような調整役がいますが、普通はいません。そのトレーナーにつくか、やめるかだけでしょう。やめても次のトレーナーが自分にとってどうなのか、わからないままに続けます。そして転々とする人もいます。
 その判断がつかないまま、いや、違いにさえ気づかずにレッスンを続けたり、トレーナーを変えたりしなくてはならないのは、不安、かつダメージの大きいことです。
 
○批評と非難

 多くのトレーナーでは、「自分は全てに正しくて、何でも正しく教えられる」そして、他の生徒を引き受けると「前の先生は間違って学んできて、間違って教えている」と一方的に思い込んでいるものなのです。これでは、この分野が進歩するはずがありません。
 生徒を教えるために、自分を正当する―それはやむをえないとして、そのために他人を貶めたり、考え方、方法からその他、関係のないことまで非難する人が少なくないのはいただけません。残念ですが、よく耳にすることです。
 もちろん批判、批評として、実状を正しく把握した上での発展のための論争などは大切です。
 しかし、みることにしない、やってもみないで、ただの否定することにどんな意味があるのかというと、単なる足の引っ張り合いです。他のトレーナーや、そのやり方を認めたくない偏狭な心のなせるわざに過ぎません。
 
○程度の問題

 他のスクールなどのトレーナーの人もここによく来ます。メニュや方法についての質疑も受けていますから、誰でもいらしてよいのですが、前にも述べたように、大抵のことは正しいか間違いかでなく、程度の問題にすぎないのです。「同じ」と「違う」を、どのレベルでみるかということにずぎないことが多いのです。
 すべては個別な具体的な問題なのです。しかし「一般的に」ということで尋ねられたら、私は拙書を勧めます。そこには私が口で説明するよりも、ずっとわかりやすく詳しく説明しています。
 ここで、その補足を、このように加えて、公にしているのです。
 
○結果を出す

 「こういうやり方でやっています」それでいいでしょう。
 「正しいのでしょうか」「よいのでしょうか」それは相手をみなくては、結果をみなくては、何も言えません。
 「この声や息はよいのですか」これもわかりかねます。
 つまり、そこで論じても本当は仕方がない、答えがyesもnoも大差ないのです。
 「トレーナー」は人を育てるのですから「こんな人がこうなりました」のところで、初めて問うことができます。
 
 先日、嬉しいことにベテランのアナウンサーとして長く悩んでいた人が、詩吟に転向して、ここのレッスンを始めて5年目、上級のチャンピオンになりました。また、あるアーティストは、ここのレッスンを参考に、半年で一般の人の声をよくしてしまいました。
 勘がよいのも、理論が正しいのも、こういう結果としてみるしかないのです。となると、結果とは、全てにおいて出るのでなく、出たり出なかったりします。それでも、こうして時間がかかった分、大きな成果が出ているのは、嬉しく思います。
 
○雑になり否定しだす

  本人がうぬぼれると、大体、ものごとへの対処が雑になります。すると、そういう人は他を否定しだすのでよくわかります。長嶋氏の弟子として、松井選手が「ノーマル」であったことを見習わせたいものです。
 より高い目標に挑めばよいのに、それをせず、少々できるようになっても、次の次元アップに挑まなくなると、必ずといってよいくらいこうなります。
 
 私のところには、ときに「自分のやり方が正しい」という人がいらっしゃいます。机上で論を戦わせても意味がないので
 「では、誰を育てたのですか」
 「育ったとはどうなったということですか」それでも食い下がるケースは、「当人連れて来てください」とも言えないので、次のレベルでの問いを投げかけます。
 「あなたでしか育たなかったのですか」
 「他のトレーナーの方がよりよくできたかも、と考えられませんか」
 また、「他のトレーナーは、間違った教え方で間違った発声になっている」と言うトレーナーがいたら、「他のトレーナーも皆、それぞれに相手のことをそう思っています」と答えます。
 
○幼いトレーナー

 仮に「自分の方法が合っている」というなら、世界一の実力がある人を出したということでしょう。教えた人がNo.1になったというのであれば、ある条件のもとでは他を否定してもよいかもしれません。でも、そういうレベルで学べる人はどんなレッスンでも活かせるので、こんなことは言いません。
 つまり、こういう波風立てるのは、いつもそれをよい方に使えていない、私からいうなら、本当の意味では、できていない、自立していない、かつ、時間のある人たちなのです。
 彼らは今の自分をすごいと思い、5年、10年あとにイメージが及びません。10年、20年と続けてきた人を簡単に否定します。それは、後5年でも10年でも、彼ら自身がすごくなってから言えばよいのです。
 10年、20年たってみないと、どうなるかがわからないから、何でも言えるのは、若い人だけの特権です。しかし、まだ、何ら実績をのこせていないのに言うのは、若いというより幼いだけなのです。
 
○こだわる

 私は、10年、20年、30年と「シンプルに一つの声だけを磨いていける」のは、それだけで一つの才能だと思います。「他の人がもうできた」と通りすぎていくところで、何かをみつけて、こだわり続けていくことは、並大抵のことではありません。
 私自身、「声がライフワーク」といったのは、こうして探求し続けているからです。
 悩んでいるトレーナーには「10年、20年たったら、今よりもよくわかるようになる」と言ってあげたいように思います。
 幼いということは、まだみえていないということです。こういうときはコツコツと地道に我慢することが、一流になる人の器ともいえるのです。
 
○もっているもの、もっていないもの

 何事も10年、20年と経ってみなくてはわからないことがあります。
 ですから、トレーニングの時点で、私はその人のもっているものと、もっていないものについて考えるところから始めます。あなたもここで自分自身について考えてみてください。
(もっているものともっていないもの)
a. 自分のもっているもの
b. もっているのに出せていないもの(使えていないもの)
c. もっているが出さない方がよいもの(使わないもの)

d. もっていないが補えるもの
e. もっていないが補えるかわからないもの
f. もっていないが補っても使えないもの
g. もっていないが補えないもの(理想的には欲しいもの)
h. もっていないが補う必要のないもの

 レッスンにおいては、その人のもっているもの、もっていないものを確認していきます。トレーニングでは、それを踏まえての、もっと長期的かつ革新的な取り組みが必要になります。
 「発声を直す」などと簡単にいうのは、c.を封じb.を導いていくことにあたります。多くのメニュはd.の不足を補うこと、その補強にセッティングしています。
 e.は、声においての到達点には個人差があるということです。
 
○「初めて」の対処

 どんなベテランのトレーナーでも、これまでに「初めて」のタイプには、やってみないとわからないときもあります。
 「初めて」というのは、細かくみると一人ひとり皆違うので、本当はトレーナーは「誰に対しても初めて」なのです。一見似ているけれど異なったり、全く異なるタイプと思っていたら、誰かと似てきたり、いろんなプロセスをたどります。
 (もっているものともっていないもの)のうち、f.やg.は、その人の限界をどこにどう見極めるかということにもなります。h.はトレーニングの目的にする必要はありません。このa~hについては、いずれ述べていくつもりですが、それぞれについて、この機会にまとめてみてはいかがでしょうか。

○優先とするもの

 表現から入るとシンプルなことが、基礎から入ると迷路のようになることがあります。私は、プロの「歌唱」や「せりふ」のなかの声の目安を、「仮に」として、必ずどこかにおいています。これをマトリックスの縦に置くと、横に置かれるのは、それぞれの要素(声域、声量…)となります。3次元でみるなら、時間軸が必要です。器として大きくしていくにも、どこを優先するかによって違ってくるからです。
 昔は、第一優先条件が声量(共鳴含む)であり、比較的、到達度合がわかりやすかったのですが、その後、日本では、あたかも声域のようになりました。これは個人差があり、また、素人は届けばよいが、プロは、使えなくてはいけないと言いつつ、その程度がわかりにくいものです。なぜなら音響技術でカバーできるからです。もちろん、声量が第一でなくなったのは、声量こそが音響技術でカバーできる度合が、もっとも高かったからでしょう。というまでもなく、元々、ボリュームを増すためにマイクやスピーカーは発明されたのですから。

○声量から声質(音色)へ

 本当は、声の第一条件は、届くだけの声量があればのことですが、そのまた昔、アカペラだけの頃、問われていた声質(音色)なのです。これは先天的なもの(声質)と思われ、昔は、「声がよい」という基準(これも日本独特の鼻にかかった声のよさでした)でありました。
 今は、「その人らしく(くせが)あればよい」というのが基準なのかもしれません。これが、今のプロを真似て練習をすると、昔と違って伸びない原因になっています。
 音響技術が進歩して、まるでパチンコで打つのが自動化されたかのような、誰でも何でも届けばよいかのようになってしまったからです。ポピュラーのソロに関しては声域の設定は自由なので無理して届かなくてもよいのです。
 そこで、音色そのものに個性がなくなり、発声のくせで、その人らしさを表すようになりました。ものまねは、くせをつけたらよいので、簡単になりました。もっとも、今の「ものまね」は、デフォルメとしてのバラエティ芸です。音色、昔の声質模写というようなものではありません。昔もデフォルメは、相当されていたのですが。
 たぶん、昔は芸人は、限られたところの人であったが一芸を極めていたのに、今や全国から才能で選ばれるので、ずいぶん器用で優秀な人が出てくるようになったということでしょうか。歌手や役者も、タレントという名で一般化しているのは否めませんね。

○レッスン前の発声について

 本番前の状態を整えるには、バランスをとることをしておけば充分です。それ以上、喉を疲れさせるべきではありません。
 最初からベストで出られるようにするオペラと、ライブの経過とともに調子を上げていくことの多いポピュラーとは、若干、異なるかもしれません。ポップスといっても1,2曲だけの出番というなら、歌う直前にベストにしておくのがよいわけです。
 私は多くの他の人のステージを表から裏までみてきたので、歌というものの怖さを知っています。リハーサルでベストが出ると、本番はかなり神経質になって、天にも祈る気持ちでみています。とてもよいできであっても、リハーサルを超せないことが多いからです。
 客席が埋まっていないリハでは、聞こえ方も違います。そして、ライブでは問われるものも違います。作品としての完成度よりもステージとしての完成度の方が問われます。
 ともかく確かな技術がある人の場合でも、楽器のプレーヤーのように番狂わせがないということがない分野だと思います。どんなにレッスンでよくても、本番が必ずしもそうなるとはいえないし、逆に前日やリハではどうしようもなかったものが、二度とできないほどのベストの仕上がりになることもあります。一流のプロやベテランよりも感動を与えるデビュー新人の一曲や、ド素人のビギナーズラックということもあります。
 
○喉の疲れと解放

 ともかく声を泉のように無限に出してくる、世界のレベルのアーティストに比べると、日本人の喉は総じてまだまだ弱いでしょう。
 残念ながら現実として、私は日本人の9割の人に対して喉は消耗品と考えるように言っています。喉には耐久時間や絶対量があり、そのなかで仕事を終わらせることが問われるということです。
 もちろん、月一回、週一回の出番なら、ピッチャーのように翌日から休めて回復させたら大丈夫ですが…。ステージは発声のよさを問うわけでないので、少々の無理や喉への負担がかかるのは仕方がないともいえます。売れっ子ほどハードな日常にさらされるので負担ゼロが望ましいとはいえ、トレーナーの理想論だけでは通じません。
 とはいえ、体で支えられているところまでは習得しておくこと、あとは体調に万全を期すことが条件でしょう。
 毎日が、声の仕事という人は、喉に疲れを残さぬように回復させたいものです。翌日には元の状態にしておかないと、そのうち無理がきます。もっとも大敵は睡眠不足やメンタル面での心配事、おちこみです。でも、気が張っていて、ステージだけもっている声はハイリスクで、いつもハラハラしてみています。

○負担をかけない

 表現することで発声練習だけなら平気な人にもステージでは負担はきます。本来はそうであってはならないのですが、歌唱では、その人の安全な域をはみ出すことも少なくありません。
 安全なところ(ベース)なら8時間くらい出せる力を身につけておきたいものです。それに耐えうる発声法が、私の考えるヴォイトレのベースです。
 発声にことばなどをつけると、やはり少し負担がかかります。
 以前から、注意していることですが、くれぐれも仕事以外には声を使わない、控えることです。打ち上げなどは細心の注意が必要です。カラオケでも声を壊す人の大半は、歌の大声や高音域がきっかけですが、アルコールや食事、おしゃべりで、数倍悪化させていることもあるのです。
 
○最初のレッスン

 さて、本番に向けての自分の声の調子を整えていく方法を知るのは、レッスンの隠れた目的の一つです。レッスンを本番リハで使うのか、基礎に使うのかは、いくつかの分類を示して述べました。
 本番の日は、レッスンをしないのが原則です。このあたりの、本番前のトレーニングやレッスン前のことについては、「共通Q&A」や、これまで私が述べたことを読んで比べてみてください。
 
 自己流のトレーニングを禁じて、レッスンだけで、発声の感覚を気づかせ、仕上げていくトレーナーもいます。
 レッスンでトレーニングのやり方を教えたり、トレーニングの実際をチェックするトレーナーもいます。トレーニングのサンプルのようにレッスンをして、そのまま持ち帰らせ、復習させるトレーナーもいます。
 レッスン前の発声については、レッスン時間にもよります。60分以上あるなら、不要かもしれません。
 このあたりの考え方にはトレーナーにおいても、かなりの差があります。
 
○最初のメニュ

 最初のメニュから違います。私どものところも一人ひとり、全てのトレーナーが違いますが、初回は本人の力のチェックと目的への方向性を探るところからです。
 初回のトレーニング
1、 挨拶(およびコミュニケ―ション)
2、 情報交換や質疑応答(私のところは、毎回、時間短縮のためや、喉の保全のため、シートでの提出にしています)
3、 母音スケール(子音のスケール)での昇降
 ドレミファソファミレド、ドレミレド、ドミソドミソド、ドドドドド、ドドドなど(半音ずつ昇降)
大体は、同じ音程をつけながら、母音(ヴォーカリーズ)でのスケールで昇降させるのです。このときに調子をみたり、チェックするのに広めに声域を使うことが多いのですが、これは肩慣らしのようなものです。軽く声の状態、コントロールのチェックを本格的なレッスンの前にするのです。
 ここでは実力以上の声域を取ることも少なくありません。いずれ、マスターすべき域の目安を示し、チェックしたり、試行していることもあります。このチェックとトレーニングの混同をしないことについての注意は、新刊(「ヴォイストレーニング基礎講座」などにかなりくどく述べました。

○ある日のレッスン

 私のある日のレッスンでは次の3つが中心でした。
1、 ハミング         ソ―ド―ド―ミ(声域、2オクターブ弱)
2、 ハミング+母音(またはmやn) ファ―ド―ド―レ
3、 母音           ミ―ド―ド
 わかりやすくするために全てのメニュを、同じ声域にすることもあれば、声の質を重視して、悪くなってから2,3音上がったら(下りたら)止めることもあります。
 このように、もっとも大切なスケールやヴォーカリーズが、ポップスや役者の発声練習では、準備体操や競争のように形だけで行われているところがほとんどです。私は、最近は研修に行くと徹底して、ていねいに扱わせるようにしています。以前はリラックスや伸び伸びやるために、どちらかというと気にかけずに大きくたくさん、から始めていました。
 
  シンプルであることにとりくませることこそが、ヴォイトレの本質ともいってよい基本のメニュなのです。ただ、その前に、体や呼吸を使ったり気力や集中力のために、勢いで行うことが必要なことも、ときにはあるのですが。
 
○同質化を目指す

1、スケール、声域、  ミ―ド―ラ―ド―ミ
2、ハミング=母音   ラ(ナ、マ)
3、子音=共鳴、n、m、y(ia)、w(ua)、k-g、s-z、t-d、h、p-b、r
 この3つの組み合わせは、無限にあります。
 発音は声を発するときに生じるものですが、共鳴上で発音していくように感じて行う方が自然によくなっていきやすいものです。
 最初から喉でなく共鳴で声が出るというレベルのイタリア人なら、日常に話すところでもっている共鳴感覚で、そのまま移行できるかのようです。私たちはそういう発声を自然のレベルに捉えるのに、けっこうな時間がかかるものです。

○ヴォイトレの目的

 もっとも入りやすいところから入り、他をそれと同じにするのが、よくある発声練習、ヴォイトレと呼ばれているのです。しかし、私は、そうではなく、そこから他を揃えるまでに、もっとつきつめること、そして、その声をベターかつベストにしていくことが、トレーニングの目的だと思います。つまり、
1、 ベターをベストにする
2、 ベターに、そうでないものを揃える
目的には、この2つが必ず伴うべきなのに、大体はここまでいきません。いえ、できていると思って、甘いチェックで通り過ぎてしまうのです。2は1のために必要なのに、2は2で終わってしまい、1のベターがベストでなく、ベターでさえないものに劣化して、揃っていく傾向が、多くのトレーニングしている人にみられるのです。

○自己評価してみる

今のあなたの点数を平均50点として
a、 ベスト100点超(理想)
b、 ベター60点(現状の上)
c、 ワース40点(現状の下)
d、 ワースト20点(劣化)
とすると、
1、 bとcの現状をaの理想にしていくべきなのに
2、 dをcにすることしか考えないと、今のベターであるbよりよいものが出ても、そのままbに留めてしまう。むしろよかったはずのbが、よくないcに影響され50点になってしまう。
つまり、成績の低い人をアップさせること(d→cおちこぼれ救済)だけを成果とみると、結果として、平均点は上がるが、最高点は下がるのです。本当は、b→aにすることでc→bとなるべきであるのに、です。c→bをすればb→aになると思いがちですが、aは100点超なので、そこからは出てこないのです。

○平均化の障害

 まさに日本の教育のようなことがヴォイトレで起こっているのです。エリートをつくるよりも、おちこぼれをなくすことで、エリートが出ない。金持ちをなくしても、貧しいい人は豊かになるわけではありません。たくさん使う人がいるために弱者救済ができるというのが人間社会なのです。芸事の世界でもそう言われて久しいですが、ヴォイトレでも同じこと、むしろ、さらに悪いのです。
 ここ20年は、この傾向が強まるばかりです。養成所はスクールに、体育会はサークルになってしまったからです。誰もが育つ、誰もができるようになる方法など高いレベルではありません。
 
○スターが出ない

 底上げしただけでスターは出ません。日本人の気質が、レッスンでさえ、同質化、均一化されていきつつあります。それは同時に異質の排斥になってしまうのです。
 ヴォイトレも条件を大きく変えようとせず、状態だけを調整するローリスクローリターンのトレーニングが多勢になってきました。これなら、ハイリスクハイリターンの自主トレでやれることです。自分でやるべきことをやらずに、トレーナーとやっていても、平均点以上の進歩は望めません。
 ハイリスクハイリターンからハイリスクだけをとるのがトレーナーなのにローリターンにする。レッスンがこれでは困ったことです。スターが生まれなくなったゆえんです。

○問題を顕わにする

 私が思うに、問う力をつけるためにレッスンをするのです。答えを求めたり、正解を覚えるのではないのです。私のところでは、わからないことや知りたいことは初日、もしくはレッスン前のレクチャーで、すべてお答えしています。何年もやらなくてはわからないことは、ことばになりませんが、それ以外のことは、できるだけすべてについてお答えしています。ただ、本人の可能性、これは大体わかるのですが、その変化については、本人の努力しだいで大きく変わるので、何ら述べられません。本人の取り組みやスタンスが大きく変わることもあるからです。

○ベストは100/+α点

 ベストを100点超としましたが、ベストとは100点+αなのです。ベターを目指すレッスンは、100点から何点足りないかを知り、それを埋めていくようなものです。つまり減点法です。
 満点になったからといって、それで何かできるわけでないのです。70点でも芸術センスが50点であれば、100点を超えるのです。フィギアスケートの大会と同じで、規定だけでは勝てませんが、規定がだめでは、自由も苦しい戦いになるということです。そこに基礎レッスンの必要性があります。

○あいまいから脱する

 レッスンでは、まずは、あいまいなままの状態からの脱却です。あなたの問題が具体的に浮き上がってくればよいのです。
 できないことができるようになるといっても、その解決法を知って1,2回のレッスンで、すぐ直るようなら、それは問題でさえありません。すぐに解決しないことが問題というものです。ですから、それをきっかけに自己変革のためのトレーニングが必要となります。それによって実力がついていけばよいのです。問題そのものは、刺激になれば解決しなくてもいいくらいです。

○あえて矛盾させる
 
私がレッスンで何人かトレーナーにつけているのも、早くあなたや声のなかの問題を矛盾であぶり出すためです。
 違うトレーナーがついて同じ見解、同じ方法、同じようなメニュで解決していけるテーマというのは基礎であって、それは課題にはなりますが、できてあまりまえのことにすぎません。
 そこは地道に平均点をアップをして、優秀に思われるレベルまでやっていけはよいのです。これを「レッスンとトレーニングでの実力の底上げ」と言っています。
 しかし大切なのは、その先、トレーナーたちの矛盾が出てくるところをどのように自力で解決していくかです。そこにその人独自の世界観が顕れるのです。
 ですから、vol.12で「バランスを崩すことを恐れるなら、むしろトレーニングではレッスンで整えたバランスの崩れを拡大してみること」を述べました。
 
○限界と両極を知る

 限界を知ればよいのです。両極を知ればよいのです。極端を知ると中庸がわかります。問題、矛盾を起こすことで気づくこと、そして、それを常にキープすることが大切です。
 いつもトレーナーや私に質問がたくさんくるのです。ことばでは何かを説明しますが、解決しなくてよいのです。解決しないからよいのです。それを役立てて作品や表現になればよいのです。そこに理解や解釈は不要です。それは私の分担すべき仕事のつもりです。

○軸

 基本デッサンが主軸、そこからの変化が旋律となります。
 芯―響き、これは、軸となって、その動きはつっぱしらず、しなやかになっていくようです。
 私は、声楽や声(ヴォイトレ)の問いに、ときどき大きな距離を感じています。
 売れているプロよりも、ここに通う人、通った人の方がわかっている、できているということもいえるからです。

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